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REFLEXIONEN ÜBER KUNST

Jordi Rodríguez-Amat

	Präsentation Ich habe mein ganzes Leben der Kunst gewidmet; Schöpfung, Lehre, Kritik usw. und ständig, ohne jede Hemmung, denke ich immer darüber nach. Mit dieser Arbeit erlaube ich mir, mich frei in jeden historischen Moment zu versetzen; Thema, Bewegung, Jahrhundert, Technik, Schöpfer usw. usw. und die Relativität meiner Argumentation akzeptierend, denke ich immer darüber nach. Mit dieser Arbeit erlaube ich mir, mich frei in jeden historischen Moment zu versetzen; Thema, Bewegung, Jahrhundert, Technik, Schöpfer usw. usw. und die Relativität meiner Argumentation akzeptierend, denke ich immer darüber nach. Da ich Kunstgeschichte, während zahlreicher Kurse gelehrt habe, zwang ich mich, die Werke nicht nur von der historischen Seite, sondern auch von der ästhetischen Seite zu analysieren. Kunst ist eine spannende Tätigkeit und ich möchte Sie mit meinen Komentaren, neben der Entdeckung von Aspekten der besprochenen Werke, mit meiner Leidenschaft für Kunst beeinflussen. Kunst als Manifestation sensibler Zustände ist ein neuer Begriff. Dennoch hatte die Kunst, wie wir sie in der sogenannten Kunstgeschichte studieren, in jeder der Epochen eine ganz spezifische Funktion. Es ist jedoch das 20. Jahrhundert, in dem die Kunst von einer bestimmten Funktion, gesellschaftlich, religiös usw. befreit wurde, und ist zum freien Ausdrucksmittel des Schöpfers geworden. Wenn wir die Probe machen würden, und uns in die Lage eines Künstlers eines bestimmten historischen Moments versetzten, würden wir sehen, dass er kaum die Kunst verstünde, wie sie, seit Anfang des 20. Jahrhunderts nur für die Freude des Schöpfers und den Genuss des Betrachters entwickelt würde. Dies erlaubt mir zu akzeptieren, dass wir, Werke, Schöpfer, Konzepte oder anderes nicht von einigen historischen Momenten auf andere extrapolieren können. Um die Kunst und in diesem Fall die Werke, die ich Ihnen präsentiere, besser genießen zu können, möchte ich Ihnen nach dem Lesen der begleitenden Texte empfehlen, nicht nur über das von mir beschriebenen Werk nachzudenken, sondern, andere Werte der Arbeit durch Ihre persönliche Lektüre zu entdecken. Jeder Betrachter sollte immer seine eigene Lektüre über ein Kunstwerk machen. Durch das Üben des Lesens von Kunst können die interpretativen Fähigkeiten des Betrachters entwickelt werden.

GIOTTO DI BONDONE

(Ende 13. Jahrhundert, Anfang 14. Jahrhundert)

“Omaggio dell'uomo semplice” ist Teil einer Reihe von Fresken zur Legende über den heiligen Franziskus, die sich in der Basilika des Heiligen Franziskus in Assisi befinden.

Ein Fresko ist ein Gemälde auf einer mit zwei Schichten Kalkmörtel bedeckten Oberfläche. Die erste dickere Schicht besteht aus gelöschtem Kalk, Sand und Wasser, und die zweite, dünnere, aus Marmorstaub, gelöschtem Kalk und Wasser. Auf lezterer werden die Pigmente aufgetragen, wenn diese noch feucht ist. Freskenmalerei erfordert eine starke und widerstandsfähige Oberfläche, normalerweise eine Wand.

Die Figur war in der gesamten Geschichte vor dem 14. Jahrhundert der grundlegende Bestandteil der Malerei. Mit Giotto öffnet sich in der Malerei ein architektonischer Raum. Allerdings gibt es in seinem Werk ein Missverhältnis zwischen Figur und Architektur. Wir beobachten in diesem Kunstwerk, wie die Architektur ein symbolisches Element ist, ohne eine reale Proportion zu den Figuren einzuhalten.

Nach vielen Jahrhunderten flacher Bildtradition war es Giotto, zusammen mit seinem Zeitgenossen Duccio, der die Perspektive in die Malerei einführte. Seine Perspektive verwendet nicht das sogenannte Kegelsystem mit Fluchtpunkten wie die Renaissancemalerei ab dem 15. Jahrhundert. Im Gegenteil, Giotto bedient sich paralleler Strukturen, einer Perspektive, einer Technik, derer sich heute die industrielle Zeichnung bedient. Wir sehen, wie die Tiefe durch Parallele Linienführung bestimmt wird.

Omaggio dell'uomo semplice. 1300.

270 cm x 230 cm

		DER TAJ MAHAL Der Taj Mahal ist ein großes Mausoleum in der Stadt Agra in Indien. Es wurde 1630 von Moghul-Kaiser Xa Jahan zu Ehren seiner verstorbenen Frau, Kaiserin Arjumand Banu Begum, besser bekannt als Mumtaz Mahal, erbaut. Der Taj Mahal, eines der sieben Weltwunder der Moderne, vereint verschiedene Stilrichtungen; Indisch, persisch und islamisch mit einem eindeutig romantisch inspirierten Charakter.
	Indien ist, wie jeder weiß, ein Land der Armut, aber es ist auch ein Land, das einige der schönsten Gebäude besitzt, die je von Menschen erschaffen wurden. Von allen Gebäuden, die ich besucht habe, hat mich der Taj Mahal am meisten beeindruckt. Obwohl ich es zuvor auf Fotografien und anderen Arten von Bildern gesehen hatte, fasziniert mich das Denkmal, als ich es direct vor mir sah. Am 4. Januar 2005, als ich auf dem kalten Marmor saß und von der Sonne schnell erwärmt wurde, sah ich, als Zuschauer all dieser Pracht, unter der Menge von Besuchern eine Inderin, die einen ultramarinblauen Sari mit goldenen Flecken trug. Sie sieht glücklich aus, sagte ich mir mit leiser Stimme. Und plötzlich verssetzte mich meine Vorstellungskraft, angespornt von der Süße des Augenblicks, fast vier Jahrhunderte zurück und ich konnte mir vorstellen, wie schön Mumtaz Mahal gewesen sein muss und wie sehr Shah Jahan sie geliebt haben muss, um für sie so ein Wunder zu bauen. Heute Jahrhunderte später atmet dieses Gebäude den Atem der Liebe. Der Taj Mahal ist die Verwandlung der Qual des Todes eines geliebten Menschen in ein architektonisches Juwel. Der Taj Mahal ist ein Schrei reiner, durchsichtiger, transparenter Liebe. Rabindranath Tagore selbst beschreibt in höchst inspirierten Versen den Schmerz von Shah Jahans Herz, der in dieses architektonische Wunder übersetzt wurde: Du wusstest, Kaiser von Indien, Shah Jahan, dass das Leben, die Jugend, der Reichtum ... alles im Fluss der Zeit fließt. Dein einziger Traum war es, den Schmerz deinem Herzen für immer zu bewahren ... in Form dieses strahlenden weißen Taj Mahal. Innerhalb und außerhalb des Mausoleums, barfuß aus Respekt vor dem Ort und umgeben vom Weiß des warmen und kalten Marmors, konnte ich eine der wunderbarsten Marmorkompositionen betrachten, die Menschenhand jemals erschaffen konnte. Die Struktur des gesamten Mausoleums zeigt das absolute Gleichgewicht, das nur göttliche Inspiration aufgebaut haben kann. Es scheint unwahrscheinlich, dass es an einem Gebäude dieser Größenordnung, an dem Tausende von Menschen im Laufe von mehr als zwanzig Jahren gearbeitet haben, kein zuverlässiges schriftliches Dokument über den Autor des Werks gibt, obwohl unter einigen Namen der des türkischen Architekten Ustad Isa Afandi hervorsticht. Wie dem auch sei, Tatsache ist, dass das Werk ein großartiges Juwel der universellen Architektur ist. Meine Worte können kaum die Eindrücke ausdrücken, die man vor diesem Kleinod erlebt. Meine Sensibilität erlaubte mir, das Gleichgewicht der Formen und die perfekte Harmonie des Ganzen zu genießen. Unabhängig von den Studien auf kompositorischem, analytischem oder anderem Gebiet, unabhängig von den technischen und handwerklichen Elementen, die dieses Gebäude ermöglicht haben, gibt es etwas, das nur durch die Vibrationen geschätzt werden kann, die vor dem Mausoleum erlebt werden; die durch ein Kunstwerk erzeugte Inspiration wird niemals durch technische oder wissenschaftliche Parameter bewertet. Der Taj Mahal wurde 1632 begonnen und zwanzig Jahre später fertiggestellt. Ein Sarkophag mit den Überresten des Kaisers Shah Jahan befindet sich neben dem seiner Frau Muntaz Mahal, die einzigen Elemente, die die perfekte Symmetrie des gesamten Gebäudes brechen. Es wäre notwendig, um ein dreidimensionales Werk vollständig zu erfassen, sowohl innen als auch außen um es herumzugehen. So könnte man das Gleichgewicht aller Elemente betrachten, aus denen die Fassade besteht, ihre Formenvielfalt und die Symmetrie.

DER TAJ MAHAL

Der Taj Mahal ist ein großes Mausoleum in der Stadt Agra in Indien. Es wurde 1630 von Moghul-Kaiser Xa Jahan zu Ehren seiner verstorbenen Frau, Kaiserin Arjumand Banu Begum, besser bekannt als Mumtaz Mahal, erbaut.

Der Taj Mahal, eines der sieben Weltwunder der Moderne, vereint verschiedene Stilrichtungen; Indisch, persisch und islamisch mit einem eindeutig romantisch inspirierten Charakter.

Indien ist, wie jeder weiß, ein Land der Armut, aber es ist auch ein Land, das einige der schönsten Gebäude besitzt, die je von Menschen erschaffen wurden. Von allen Gebäuden, die ich besucht habe, hat mich der Taj Mahal am meisten beeindruckt. Obwohl ich es zuvor auf Fotografien und anderen Arten von Bildern gesehen hatte, fasziniert mich das Denkmal, als ich es direct vor mir sah.

Am 4. Januar 2005, als ich auf dem kalten Marmor saß und von der Sonne schnell erwärmt wurde, sah ich, als Zuschauer all dieser Pracht, unter der Menge von Besuchern eine Inderin, die einen ultramarinblauen Sari mit goldenen Flecken trug. Sie sieht glücklich aus, sagte ich mir mit leiser Stimme. Und plötzlich verssetzte mich meine Vorstellungskraft, angespornt von der Süße des Augenblicks, fast vier Jahrhunderte zurück und ich konnte mir vorstellen, wie schön Mumtaz Mahal gewesen sein muss und wie sehr Shah Jahan sie geliebt haben muss, um für sie so ein Wunder zu bauen. Heute Jahrhunderte später atmet dieses Gebäude den Atem der Liebe.

Der Taj Mahal ist die Verwandlung der Qual des Todes eines geliebten Menschen in ein architektonisches Juwel. Der Taj Mahal ist ein Schrei reiner, durchsichtiger, transparenter Liebe. Rabindranath Tagore selbst beschreibt in höchst inspirierten Versen den Schmerz von Shah Jahans Herz, der in dieses architektonische Wunder übersetzt wurde: Du wusstest, Kaiser von Indien, Shah Jahan, dass das Leben, die Jugend, der Reichtum ... alles im Fluss der Zeit fließt. Dein einziger Traum war es, den Schmerz deinem Herzen für immer zu bewahren ... in Form dieses strahlenden weißen Taj Mahal.

Innerhalb und außerhalb des Mausoleums, barfuß aus Respekt vor dem Ort und umgeben vom Weiß des warmen und kalten Marmors, konnte ich eine der wunderbarsten Marmorkompositionen betrachten, die Menschenhand jemals erschaffen konnte.

Die Struktur des gesamten Mausoleums zeigt das absolute Gleichgewicht, das nur göttliche Inspiration aufgebaut haben kann. Es scheint unwahrscheinlich, dass es an einem Gebäude dieser Größenordnung, an dem Tausende von Menschen im Laufe von mehr als zwanzig Jahren gearbeitet haben, kein zuverlässiges schriftliches Dokument über den Autor des Werks gibt, obwohl unter einigen Namen der des türkischen Architekten Ustad Isa Afandi hervorsticht. Wie dem auch sei, Tatsache ist, dass das Werk ein großartiges Juwel der universellen Architektur ist.

Meine Worte können kaum die Eindrücke ausdrücken, die man vor diesem Kleinod erlebt. Meine Sensibilität erlaubte mir, das Gleichgewicht der Formen und die perfekte Harmonie des Ganzen zu genießen.

Unabhängig von den Studien auf kompositorischem, analytischem oder anderem Gebiet, unabhängig von den technischen und handwerklichen Elementen, die dieses Gebäude ermöglicht haben, gibt es etwas, das nur durch die Vibrationen geschätzt werden kann, die vor dem Mausoleum erlebt werden; die durch ein Kunstwerk erzeugte Inspiration wird niemals durch technische oder wissenschaftliche Parameter bewertet.

Der Taj Mahal wurde 1632 begonnen und zwanzig Jahre später fertiggestellt. Ein Sarkophag mit den Überresten des Kaisers Shah Jahan befindet sich neben dem seiner Frau Muntaz Mahal, die einzigen Elemente, die die perfekte Symmetrie des gesamten Gebäudes brechen.

Es wäre notwendig, um ein dreidimensionales Werk vollständig zu erfassen, sowohl innen als auch außen um es herumzugehen. So könnte man das Gleichgewicht aller Elemente betrachten, aus denen die Fassade besteht, ihre Formenvielfalt und die Symmetrie.

DIE ROMANTIK

Die Romantik ist unter anderem eine soziale, kulturelle, künstlerische, literarische Bewegung, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts auftritt und die Erhebung der Gefühle des Individuums gegenüber der neoklassischen Ordnung des 18. Jahrhunderts zum Ausdruck bringt.

Le Radeau de la Méduse von Théodore Géricault (1818-1819).

LE RADEAU DE LA MEDUSE

Als Beispiel nehme ich eines der Gemälde, das mich, seit ich es zum ersten Mal in Paris (Louvre-Museum) gesehen habe, am meisten beeindruckt hat: Le Radeau de la Méduse von Théodore Géricault (1818-1819).

Es ist ein großes Gemälde von 4,91 x 7,16 Metern, das das historische Ereignis darstellt, das sich im Jahr 1816 ereignete, als eine Fregatte vor der Küste Afrikas zerstört wurde.

Wir bemerken, dass es eine starke diagonale Kompositionsrichtung von links unten nach rechts oben gibt, mit einem Hauptzentrum, in dem alle Linien enden und das mit der Spitze einer Pyramide zusammenfällt (Die Figur, die ein Hemd schwingt). Wir richten unseren Blick auf einen beliebigen Teil des Bildes und alles veranlasst uns, zum Hauptzentrum zu gehen. Ein Gemälde kann mehrere Hauptzentren haben. Hier betrachten wir nur eins. Die Figur hier hat im Gegensatz zu fast allen anderen eine dunkle Haut, die sich von der Helligkeit des Himmels abhebt.

Ein Kunstwerk kann intuitiv genossen werden, aber die Analyse der plastischen Elemente kann es uns ermöglichen, das Werk besser zu genießen.

Weitere Merkmale dieses Gemäldes sind die starke Aktion und Bewegung der Figuren und das Studium der Anatomie.

Die Anatomie, das Zeichnen eines Modells, war eines der Fächer in Kunstakademiens.

Wir stellen fest, dass das Gemälde alle Merkmale der romantischen Malerei aufweist; das Thema, starke Bewegung, starker Kontrast von Hell-Dunkel, und vieles mehr.

Wie immer in der Geschichte wurden neue künstlerische Bewegungen von den bereits etablierten nicht akzeptiert. Wir denken an den Impressionismus, der Ende des 19. Jahrhunderts von den Akademikern nicht akzeptiert wurde, sowie auch nicht die abstrakte Malerei für alle, die jenigen, die auch heute noch nach figurativen Bildern in der Malerei suchen. Dies ist auch in der Welt der Musik und Literatur geschehen.

DER GOLDENE SCHNITT

Der Goldene Schnitt ist eine mathematische Konstante, die als Zahl φ bekannt ist.

Sie wird als ästhetisches Verhältnis akzeptiert und auf zahlreiche Kunstwerke angewandt.

Obwohl wir keine Aufzeichnungen darüber haben, ist es ein seit der Antike bekannter Verhältnis.

Die Summe zweier Segmente (a+b) verhält sich zum großen Segment (a) wie das große Segment (a) zum kleinen Segment (b).

Obwohl wir diesen Zusammenhang in zahlreichen Kunstwerken der Antike finden, deutet nichts darauf hin, dass er rational oder mathematisch verwendet wurde.

Wir finden es unter anderem in der sumerischen Zivilisation und in den Pyramiden von Ägypten (Pyramiden von Gizeh), aber wir glauben nicht, dass es bewusst verwendet wurde.

Der Goldene Schnitt gilt als das beste ästhetische Verhältnis.

Im antiken Griechenland waren einige seiner Eigenschaften bereits bekannt, entdeckt von den Pythagoreern, jedoch wissen wir nicht, ob sie seine ästhetischen Eigenschaften kannten. Im Parthenon und anderen griechischen Gebäuden finden wir den Goldenen Schnitt.

Auch in der römischen Architektur sind Goldene Schnitte zu finden, allerdings gibt es auch keine Hinweise darauf, dass sie bewusst eingesetzt wurden. Ich persönlich bin der Meinung, dass der Goldene Schnitt erst in der Renaissance auf bewusste, geometrische, mathematische Weise angewendet wurde.

Der Goldene Schnitt gilt im künstlerischen Prozess, insbesondere in der Architektur und Malerei, als ästhetische Regel, die dem Werk eine perfekte Harmonie verleiht.

DER GOLDENE SCHNITT IN LA GIOCONDA (LA MONA LISA)

Die Mona Lisa ist eines der Meisterwerke von Leonardo da Vinci (1452 - 1519).

Ungeachtet des goldenen Schnitts oder der göttlichen Proportion zeigt das Gemälde ein absolutes Gleichgewicht aller beteiligten Elemente. Versuchen Sie, das Gemälde zu sehen, ohne die Rechtecke mit den goldenen Proportionen zu berücksichtigen, und beachten Sie die Tiefe des Blicks und das rätselhafte Lächeln sowie die zarte Chromatik. Versuchen Sie auch, das Maß der Formen und die Gewichtung der Chromatik zu sehen. Was für Blautoneues! Welche Sensibilität!

Die Rechtecke bewahren den goldenen Schnitt, die ästhetischen Beziehungen, die die Proportionen der verschiedenen Teile des Porträts strukturieren. Die Seiten des goldenen Rechtecks ??halten den goldenen Schnitt. Hier sehen wir drei Rechtecke, eines vertikal und zwei horizontal, und alle halten den goldenen Schnitt ein. Ich weiß nicht, ob Leonardo die mathematischen Anwendungen der Beziehung gemacht hat, aber es ist klar, dass Sie nur auf bewusste Weise die Proportionen erhalten können, die wir auf dem Gemälde sehen.

DIE TECHNIKEN DIESES WERKES

Leonardo entwarf Ölgemälde auf Holzbrettern. Ölfarbe verwendet Pigmente und Leinöl als Bindemittel. Leinöl hat eine gelbliche Farbe und damit es die Pigmente nicht verfärbt, muss es chemish oder natürlich gereinigt werden. Ich hatte viele der von mir verwendeten Ölfarben in der Weise zubereitet, indem ich das Öl durch Sonneneinstrahlung "geklärt" hatte. Die Pigmente können vielfältiger und sehr unterschiedlicher Herkunft sein, müssen aber die Eigenschaft haben, lichtbeständig zu sein.

Für diese Arbeit verwendete Leonardo die Technik namens "Sfumato", die darin besteht, sehr dünne und transparente Schichten aufzutragen, um zarte Töne zu erzielen. Beachten Sie die chromatischen Sättigungen der Arbeit.

La Gioconda (Mona Lisa)

Öl auf Holzplatte. 79 cm x 53 cm.

Louvre Museum

Der Reichtum der Kunst in all ihren Erscheinungsformen im Laufe der Geschichte ist aufregend. Da war der Künstler, der sein Arbeit absolut impulsiv machte. Es gab den kognitiven, reflektierenden, intellektuellen Künstler. Leonardo da Vinci war ein intellektueller Künstler, ein Universalgenie; Philosoph, Humanist, Mathematiker, Symbol der Renaissance.

Er wurde oft als menschliches Urbild und Symbol der Renaissance beschrieben, als Universalgenie, als humanistischer Philosoph mit grenzenloser Neugier und großer Schaffenskraft. Er gilt als einer der größten Maler aller Zeiten und vielleicht als die vielseitigste und talentierteste Person auf den unterschiedlichsten Gebieten.

WASSILY KANDINSKY. Komposition VII ( 1913)

Öl auf Leinwand (1913). 200 cm x 300 cm. Tretjakow-Galerie, Moskau.

Seit 1910 befasste sich Wassily Kandinsky, ein russischer Maler, mit einer Malerei ohne Figuration, die wir fortan als abstrakt bezeichnen.

Die abstrakte Malerei nimmt keine Objekte aus der realen Welt, um ihre Formen auf der Leinwand darzustellen. Es muss verstanden werden, dass die fotografischen Medien dazu beigetragen haben, Abstraktion zu schaffen, und von diesem Moment an haben sich viele Künstler damit beschäftigt.

Reine Abstraktion kann geometrische Formen oder absolut freie Formen verwenden. Obwohl wir in diesem Gemälde einige geometrische Formen finden, sind die überwiegende Mehrheit freie Formen.

Figuration ist das plastische Element, das die gesamte Geschichte der Malerei beherrscht. In der abstrakten Malerei sind die Gegenstände völlig verschwunden und sie beschränkt sich auf das, was wir reine Malerei nennen, also Formen und Farben auf einer Fläche.

Der Betrachter kann von einem Werk nicht verlangen, was er selbst sehen will, sondern muss es so akzeptieren, wie es sich darstellt und seine eigene persönliche Lektüre daraus machen. Die Lesarten desselben Werks, die von verschiedenen Betrachtern vorgenommen werden, können völlig unterschiedlich sein.

Wenn Sie sich dieses Bild ansehen, möchten Sie nicht finden, was Sie sehen möchten. Versuchen Sie nicht, Bilder von realen Objekten zu finden. Versuchen Sie, das zu genießen, was Ihnen die Arbeit bietet: Formen, Farben, Komposition. Analysieren Sie auch den Geist der Formen und bieten Sie einen großen Reichtum an plastischen Elementen. Das gleiche mit Farben. Nehmen wir ein Beispiel: rot. Obwohl es viele Rottöne gibt, haben diese viele und sehr unterschiedliche Nuancen.

	LAOKONT UND SEINE SÖHNE

Vor dieser Skulpturengruppe fällt mir nur ein Ausdruck ein: Toll!!!! Wie könnte das geformt worden sein?

Es stellt den Tod des trojanischen Priesters Laokoon dar, der von den Göttern bestraft wurde, indem er zusammen mit seinen beiden Söhnen von Seeschlangen erwürgt wurde.

Es wurde aus einem einzigen Marmorblock geschnitzt.

Das Werk ist in eine pyramidenförmige Komposition eingerahmt, und die beste Position für seine Vision ist die Vorderseite; Die Arbeit repräsentiert menschliche Emotionen in ihrem erbärmlichsten Ausdruck. Es ist ein Beispiel für hellenistische szenografische Skulpturen von extremer Dramatik.

Der Ausdruck von Schuld und das große Drama von Laokoon, der sich in schmerzhafter Qual windet, sind erschreckend. Innerhalb der Gruppe sind die beiden monströsen Schlangen, die sich gemäß der von den Göttern auferlegten Strafe zum Töten winden, Teil der visuellen Komposition der Gruppe und erreichen mit ihren geschwungenen Linien die Einheit zwischen allen Charakteren, die hilft, die zu zeigen Dynamik, die von der Gruppe ausgeht.

Es besteht der Wunsch, die theatralische Wirkung der Anatomie zu übertreiben, und Laokoons moralischer Schmerz über den Tod seiner beiden Söhne wird hinzugefügt. Das Stück beschreibt Laokoon als ein Schauspiel der menschlichen Natur, das den größten Schmerzen ausgesetzt ist, die sie ertragen kann. Beachten Sie die Anatomie des ganzen Körpers, insbesondere des Laokoons.

Seine Brust hebt sich, um zu versuchen, den Schmerz einzudämmen, und weil der Bauch zusammengedrückt ist, können Sie die Bewegung seiner Eingeweide sehen. Seine Kinder schauen ihn um Hilfe bittend an und er drückt seine väterliche Zärtlichkeit mit seinem zärtlichen Blick aus, mit Augen, die sich zum Himmel wenden und die Götter anflehen.

Das Öffnen seines Mundes hat eine Bewegung, die Empörung über die Idee einer unverdienten Bestrafung ausdrückt.

In den griechischen Mythen wird berichtet, dass während der Belagerung Trojas zwei Schlangen von Athena oder Apollo ausgesandt werden und den trojanischen Priester des Apollo, genannt Laokoon, und seine beiden Söhne angreifen. Es gibt zahlreiche Versionen, die sich auf diese Episode beziehen, und es wird diskutiert, ob die Skulpturengruppe auf Virgils Geschichte in der Aeneis basiert, in der Laokoon und seine beiden Söhne sterben.

Virgil beschreibt in Buch II der Aeneis den Angriff der Schlangen so: Sie stürzen sich mit festem Marsch auf Laokoon und wickeln sich um die zarten Körper seiner beiden Söhne und zerreißen ihre elenden Glieder mit ihren Zähnen.

Zwei Versionen der mythologischen Geschichte: Laokoon war der Priester des Tempels von Apollo Timbri in Troja und er warnte erfolglos, dass sie das berühmte trojanische Pferd nicht passieren ließen, da es eine von den achäischen Griechen aufgestellte Falle sei; Die Götter warfen einen feurigen Strahl auf das Pferd und bestraften es, indem sie die beiden Schlangen schickten, um ihn und seine Kinder zu töten.

Es gibt eine andere Version, die erklärt, dass es eine Strafe von Apollo war, weil Laokoon Antiope vor der Statue des Gottes geheiratet hatte, was ein Sakrileg darstellte.

Cap de Laocoont

Laokoont und seine Söhne ist eine Skulpturengruppe aus der griechisch-hellenistischen Zeit. 27 n. Chr.

Es misst 242 cm hoch und ist in weißem Marmor ausgeführt.

Vatikanische Museen

Ersteller: Mehrere Namen kommen in Frage:

Agesandre; Atenodor de Rodes; Polidor de Rodes

	Hier habe ich sechs Beispiele aus der wunderbaren Welt der Kunst vorgestellt. Ich habe einige Anmerkungen zu den verschiedenen Werken gemacht. Jahrelanges Unterrichten hat in mir die Freude entwickelt, meine Gedanken auszudrücken. Ab März ist das Zentrum für zeitgenössische Kunst der Rodríguez-Amat-Stiftung wieder geöffnet, und ich persönlich habe das Vergnügen, Ihnen die ausgestellten Werke zu zeigen und gleichzeitig mit Ihnen über Kunst zu sprechen. Wie immer ist der Besuch absolut kostenlos, aber es ist notwendig, den Besuch telefonisch zu vereinbaren: 697 76 18 74, um persönlich erreichbar zu sein. Ab dem Monat März empfängt das Art Center wieder ansässige Künstler: Klicken Sie auf den Link: Artist Residency : Residència d'artistes