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SEGUNDAS NUEVAS REFLEXIONES SOBRE ARTE

Jordi Rodríguez-Amat

	Presentación. Me he dedicado toda mi vida al arte y, cada vez más, siento pasión por las vibraciones sensitivas que me permiten sus vivencias. Con estas segundas nuevas reflexiones, me permito escoger diez obras de la historia universal del arte afín de comentarlas y haceros vibrar con pasión esta actividad humana. El arte es la expresión de estados sensitivos que vienen determinados en función de los momentos históricos. La religión, el amor, el erotismo, entre otros, han creado obras que permiten disfrutar, a los seres humanos con cierta sensibilidad, de emociones con mayor o menor pasión, siempre según las capacidades de las personas receptivas. Para disfrutar del arte no debemos rechazar, a priori, las obras si no presentan lo que deseamos encontrar. Debemos intentar penetrar, con el espíritu abierto, en lo que las obras ofrecen y dejarnos inducir por los valores que toda obra creada comporta.

LA CUEVA DE LASCAUX

Es realmente extraordinario que en el paleolítico superior, entre los 50.000 y los 10.000 años atrás, se hayan podido realizar estas pinturas. Nuevos estudios, gracias a los objetos hallados, sitúan las pinturas unos 15000 años atrás.

Encontramos alrededor de 1000 representaciones entre pinturas, dibujos y grabados.

Estas pinturas no son obra de una sola mano, ya que el dominio técnico de las imágenes son muy diferentes unas de otras.

Observemos estos dos toros que encontramos en la sala central llamada sales de los toros. Después de realizar el análisis de los animales, vemos la capacidad del pintor para representar las formas de las cabezas.

Algunas de las imágenes se limitan a ser tratadas únicamente con líneas, mientras en otras la pintura llena todo el animal.

En esta cueva encontramos, además de todo tipo de animales, formas humanas y grabados de manos.

Utilizaban tierras para los colores y los negros de las siluetas eran pintadas con óxidos de hierro que encontraban en la naturaleza.

Esta cueva demuestra que el ser humano, desde siempre, ha sentido la necesidad de expresarse mediante las imágenes.

La Cueva de Lascaux

Paleolítico superior (entre 50.000 i 10.000 años atrás)

Se considera que estas pinturas datan de hace unos 15.000 años

		Observa y analiza el caballo y su estilización. Incluso, la desproporción del cuerpo respecto de la cabeza le da un gran encanto. Es la obra, diríamos, de un gran pintor, ya que sin ese dominio no es posible hacer una pintura como esta. Existe, asimismo, una desproporción del cuerpo respecto de las piernas que enfatiza aún más la forma corporal del animal. Analiza las formas de las piernas y la estilización de las ancas y el tobillo. El pintor no limitó la forma del animal a una simple representación figurativa, sino que tuvo la capacidad de realizar una representación estilizada que solo un gran pintor es capaz de hacer. Este caballo es una obra maestra de la pintura.

Aquí vemos perfectamente que quien ha representado estos caballos no es la misma mano que la otra. Las formas no manifiestan ningún tipo de estilización manteniendo una proporción real de todo el cuerpo.

Observa también que, como ocurre con todos los animales de la cueva, son representados de perfil, puesto que no hay ningún tipo de escorzo.

Observa que en todos los caballos las piernas no se sobreponen y en estos caballos las piernas del otro lado van siempre por delante de las del primer plano sin ningún tipo de estilización, mientras que en el caballo que hemos analizado antes, afín de permitir el juego plástico, una de las piernas del otro lado va por delante y la otra por detrás.

Analiza atentamente las formas de estos caballos y compáralas con las del otro. Ante una obra de arte no te quedés pasivo y no limita tu percepción al objeto, sino que intenta disfrutar de los valores plásticos que ha dado el pintor a la obra.

Aunque en la cueva de Lascaux básicamente hay representados animales, aquí vemos una imagen de un homínido junto a la cabeza de un toro y de un pájaro.

No encontramos ningún tipo de estilización y la representación se limita a una imagen esquemática en la que el pintor ha dado gran importancia al pene.

Curioso es el hecho de que ha representado la cabeza en la forma de lo que diríamos es un ave y, como las imágenes de los animales, la cabeza está representada de perfil.

También es curioso que, con mucha claridad, las manos solo tienen cuatro dedos. En una de las manos se ve muy claramente que el pulgar (dedo gordo) es más corto, cosa que no ocurre en la otra. ¿Reflexionó el pintor en el número de dedos de una mano? En muchas imágenes de cuevas prehistóricas en las que el artista utiliza la técnica del estarcido, lógicamente las manos tienen cinco dedos.

	He limitado mi análisis a 4 de las aproximadamente 1000 pinturas de la Cueva de Lascaux, pero, resumiendo, hay que manifestar lo que se ha dicho: La Cueva de Lascaux es la Capilla Sixtina de la prehistoria, haciendo referencia a las pinturas del gran Miguel Ángel en Roma. En España hay quien llama Capilla Sixtina de la prehistoria a las pinturas de la cueva de Altamira en Santillana del Mar, en Cantabria.

PIRÁMIDES DE GUIZA (LA GRAN PIRÁMIDE DE KEOPS)

Muchas son las pirámides que encontramos en Egipto, de las cuales las más importantes e imponentes son las de Keops, Kefren y Micerino (Las tres grandes pirámides que vemos aquí)

Más que por el hecho de obras de arte, debemos considerar las pirámides de Egipto por su grandiosidad. Son tumbas construidas alrededor del 2500 aC, para durar una eternidad y lo han logrado.

Cabe recordar que son una de las siete maravillas del mundo antiguo y patrimonio de la humanidad. El concepto de las siete maravillas del mundo antiguo fue determinado por los griegos de la época helenística: la Gran Pirámide de Guiza, el templo de Artemisa en Éfeso, la estatua de Zeus en Olimpia, el Mausoleo de Halicarnaso, el Coloso de Rodas y el Faro de Alejandría.

Desgraciadamente, solamente la gran pirámide de Keops es la única que se ha mantenido hasta la fecha. Las otras seis maravillas fueron destruidas por una u otra razón.

La Gran Pirámide de Keops, junto con la de Kefren y Micerino, formando las pirámides de Guiza, se encuentran en la orilla del valle del Nilo.

LA GRAN PIRÁMIDE DE KEOPS

La base es cuadrada de 230 metros y la altura originaria tenía 146 metros. Con la desaparición de la piedra caliza que la cubría, actualmente tiene 138 metros.

Aunque no tenemos datos concretos, parece que fueron necesarios unos 100.000 hombres. Se necesitaron 2.300,000 bloques de piedra de un peso medio de dos toneladas y media cada uno. Hay diferentes hipótesis en torno a cómo se construyó. Las teorías predominantes hablan de una rampa, exterior para unos, interior para otros, que permitían ir subiendo los bloques de piedras. Sin embargo, hoy es un enigma el sistema de construcción.

Hoy todavía no se sabe si la sala denominada del rey es la sala del faraón. Hay tres salas descubiertas, dos situadas en el interior de la pirámide y una en el subsuelo o cámara subterránea. El sistema de construcción de los pasillos y cámaras utilizado por los egipcios hace muy difícil acceder al interior.

Recuerdo las fuertes impresiones recibidas frente a esta y las demás pirámides durante mi largo viaje por Egipto. ¡Increíblemente formidable! No hay que ver y admirar las pirámides como obras de arte, tal y como entendemos el arte hoy y desde hace siglos. Las pirámides son sepulcros de gran majestuosidad y deben admirarse por sus grandiosidades y los grandes enigmas que guardan.

Muchas son las teorías que han ido apareciendo a lo largo de los siglos sobre la situación de la pirámide respecto a los puntos cardinales y sobre los solsticios. Pero el hecho de no existir documentos sobre estos temas y sobre su construcción no podemos afirmar con exactitud su realidad.

	LA ESFIGE DE GUIZA La esfinge de Guiza es una figura de 72 metros de largo y 20 metros de ancho con cabeza humana y cuerpo de león esculpida en un solo bloque. La cabeza mide 4 metros. Al parecer representa al faraón Kefren. Fue esculpida in situ, a partir de un montículo de piedra que se encontraba en el mismo sitio, unos 2400 años aC. Tenía la función de defensa. Los árabes le llamaban "Imagen de terror"
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LA ESFIGE DE GUIZA

La esfinge de Guiza es una figura de 72 metros de largo y 20 metros de ancho con cabeza humana y cuerpo de león esculpida en un solo bloque. La cabeza mide 4 metros. Al parecer representa al faraón Kefren. Fue esculpida in situ, a partir de un montículo de piedra que se encontraba en el mismo sitio, unos 2400 años aC.

Tenía la función de defensa. Los árabes le llamaban "Imagen de terror"

SANTA SOFIA DE CONSTANTINOPLA (ESTAMBUL)

Fue Justiniano, emperador romano, que la hizo construir en el siglo VI. Originariamente, fue iglesia ortodoxa, actualmente es una mezquita.

Obra de grandes dimensiones, una de sus características es la gran cúpula descansando sobre conchas (semicúpulas). Es necesario considerarla como uno de los grandes ejemplos de arquitectura religiosa.

La cúpula con su galería de arcadas ininterrumpidas de 40 ventanas permite inundar de luz el interior policromo de la basílica.

Santa Sofía es sin duda una gran obra arquitectónica.

		Vista interior de Santa Sofía con galería de ventanas que permiten una gran iluminación interior. El interior está recubierto de mosaicos con todo tipo de temas religiosos.
	Un mosaico es una composición decorativa elaborada a partir de pequeñas teselas (piezas cuadradas) de mármol, terracota, vidrio, etc. de distintos colores. Aquí vemos la figura de Cristo todopoderoso (Pantocrátor). En griego, las letras "IC" y "XC" son la primera y la última letra de "Jesús" y de "Cristo".

	SANDRO BOTTICELLI El nacimiento de Venus. (278 cm x 172 cm) 1484 Se trata de una de las obras más importantes del Renacimiento italiano (siglo XV). Pintura a la cola sobre tela. La pintura a la cola está hecha con un aglutinante (cola de conejo, extraído de las pieles del conejo) y pigmentos. Venus era la diosa romana del amor y la fertilidad. En este cuadro Botticelli representa la figura de Venus celeste (izquierda) y la terrenal (derecha), con la figura mitológica saliendo de una concha, representando su nacimiento. El cromatismo del cuadro, oscuro a derecha e izquierda, da mucha luminosidad a la parte central con la figura de Venus. Observa, asimismo, el movimiento de todas las líneas, incluidas las de la propia Venus. Unas pequeñas líneas derechas (árboles) y el horizonte son las únicas que no mantienen ningún movimiento. i
		Analiza la composición triangular del cuadro con el centro principal, la cabeza de Venus. El movimiento de las demás figuras y sus sentidos direccionales nos dirigen hacia la cabeza de Venus. Observa, asimismo, el movimiento de la figura de Venus, trazando una línea desde los pies, siguiendo tono el cuerpo, hasta la cabeza. La Venus celeste, desnuda, tapada por una forma masculina, y la Venus terrenal, completamente vestida, dan más valores eróticos a la forma central del cuadro. La obra representa el triunfo del humanismo (gracias a los Médicis) frente al teocentrismo de toda la edad media, ya que por primera vez desde la antigüedad se representa una figura completamente desnuda. Sin embargo, Venus, diosa pagana del amor, se tapa la vulva con el pelo alargado y la mano. Es necesario considerar El Nacimiento de Venus de Botticelli como una de las grandes obras del primer Renacimiento italiano.
	Pocas imágenes de figuras femeninas encontramos con anterioridad en la historia del arte. Una de ellas es la Venus de Cnido de Praxíteles, 360 aC, esculpida en mármol (Solamente queda una copia romana). Tanto en la antigüedad como a partir del Renacimiento es mucho más normal encontrar figuras masculinas completamente desnudas. En mis "Nuevas reflexiones sobre arte" puedes ver el análisis que he hecho del David de Michelangelo (1501-1504), completamente desnudo con los testículos y el pene. Haz clic encima del siguiente enlace: www.rodriguez-amat.cat/art1-es.html	La Venus de Cnido de Praxiteles.

SANDRO BOTTICELLI

El nacimiento de Venus. (278 cm x 172 cm) 1484

Se trata de una de las obras más importantes del Renacimiento italiano (siglo XV).

Pintura a la cola sobre tela. La pintura a la cola está hecha con un aglutinante (cola de conejo, extraído de las pieles del conejo) y pigmentos.

Venus era la diosa romana del amor y la fertilidad.

En este cuadro Botticelli representa la figura de Venus celeste (izquierda) y la terrenal (derecha), con la figura mitológica saliendo de una concha, representando su nacimiento.

El cromatismo del cuadro, oscuro a derecha e izquierda, da mucha luminosidad a la parte central con la figura de Venus.

Observa, asimismo, el movimiento de todas las líneas, incluidas las de la propia Venus. Unas pequeñas líneas derechas (árboles) y el horizonte son las únicas que no mantienen ningún movimiento.

Analiza la composición triangular del cuadro con el centro principal, la cabeza de Venus. El movimiento de las demás figuras y sus sentidos direccionales nos dirigen hacia la cabeza de Venus. Observa, asimismo, el movimiento de la figura de Venus, trazando una línea desde los pies, siguiendo tono el cuerpo, hasta la cabeza.

La Venus celeste, desnuda, tapada por una forma masculina, y la Venus terrenal, completamente vestida, dan más valores eróticos a la forma central del cuadro.

La obra representa el triunfo del humanismo (gracias a los Médicis) frente al teocentrismo de toda la edad media, ya que por primera vez desde la antigüedad se representa una figura completamente desnuda. Sin embargo, Venus, diosa pagana del amor, se tapa la vulva con el pelo alargado y la mano.

Es necesario considerar El Nacimiento de Venus de Botticelli como una de las grandes obras del primer Renacimiento italiano.

Pocas imágenes de figuras femeninas encontramos con anterioridad en la historia del arte. Una de ellas es la Venus de Cnido de Praxíteles, 360 aC, esculpida en mármol (Solamente queda una copia romana).

Tanto en la antigüedad como a partir del Renacimiento es mucho más normal encontrar figuras masculinas completamente desnudas.

En mis "Nuevas reflexiones sobre arte" puedes ver el análisis que he hecho del David de Michelangelo (1501-1504), completamente desnudo con los testículos y el pene.

Haz clic encima del siguiente enlace:

www.rodriguez-amat.cat/art1-es.html

La Venus de Cnido de Praxiteles.

AUGUSTE RODIN

El pensador (Le penseur)

Auguste Rodin (1840-1917) es el padre de la escultura moderna, ya que rompió con todo el academicismo dominante de su tiempo.

Después de un cierto naturalismo en sus primeras obras, pronto alcanzó un estilo personal. Sus figuras, excepción de cabezas y retratos, muestran siempre un fuerte estudio anatómico tanto en las figuras femeninas como, sobre todo, en las masculinas.

Rodin trabajó también con mármol, pero lo hizo más en bronce.

Observa cómo remarca la anatomía del cuerpo de esta escultura.

Rodin realizó muchas versiones del pensador. La que vemos aquí se encuentra frente al museo Rodin en París.

El pensador de Auguste Rodin es una de las esculturas más famosas de la historia del arte. Se trata de una obra en bronce realizada durante muchos años. Si dejamos libre nuestra imaginación, podemos considerar al pensador como ser torturar, de espíritu libre.

Dos imágenes de la misma versión del pensador

VINCENT VAN GOGH

La noche estrellada (1889 - 1890)

	Hablar de Van Gogh obliga a reflexionar sobre un pintor maldito. Un pintor con problemas de desequilibrios personal, devorado por la pasión de los colores (la pintura). Realmente es incomprensible que, hoy, considerado uno de los grandes pintores postimpresionistas tuviera que pasar por penurias económicas que incluso su hermano Theo que le mantuvo para poder dedicarse a la pintura y trabajando en una galería de arte no hubiera conseguido vender su obra mientras que hoy es alabado con obras en los más importantes museos del mundo. Este cuadro fue pintado en Saint Remy cuando Van Gogh estaba internado en un asilo, después de que él mismo se lesionara cortándose una oreja. La sociedad de su momento no tenía la capacidad de aceptar la pintura de Van Gogh justo en un momento en que el arte oficial venía dominado por el academicismo, un movimiento artístico en el que la representación de las figuras estaba constituida por la pura y simple representación visual. Los años pasados ??en Saint Remy (sur de Francia) fueron años, a pesar de la angustia que sufría constantemente, de mucha creatividad. Su pintura, la pincelada libre y movida y los colores temblorosos, reflejan sus estados anímicos. Hoy admiramos las obras creadas por Van Gogh a lo largo de su carrera artística, sin considerar el gran sufrimiento personal y la incomprensión de la sociedad de su tiempo hacia su pintura. Van Gogh fue, junto a Paul Gauguin, heredero de las pinturas negras de Goya, uno de los precursores de la pintura fauvista y expresionista. Es lamentable que la sociedad de finales del siglo XIX, admiradora de la pintura romántica y postromántica con el academicismo del momento, no hubiera podido comprender su genialidad. El 29 de julio de 1890 Van Gogh se suicidó de un disparo en el pecho. Noche estrellada (Sant Remy) Óleo sobe tela. 73 cm x 92 cm

GIORGIO DE CHIRICO

Le Chant d'amour (1914)

Pintura metafísica

	La pintura metafísica es un movimiento artístico surgido en Italia que, con la imagen, pretendía conseguir un ambiente onírico mediante el inconsciente. A pesar de la representación de imágenes, los pintores metafísicos buscaban explorar el subconsciente con la yuxtaposición de objetos sin relación alguna con apariencia formal. La pintura metafísica intentaba plasmar algo alejado de la realidad: el sueño a través del subconsciente. Además de Giorgio de Chirico, otros pintores metafísicos fueron Carlo Carrà y Giorgio Morandi. Este movimiento artístico confluyó en el Dadaísmo y en el Surrealismo. Esta obra representa un medio entorno arquitectónico con la escultura del Apolo de Belvedere, un guante de cirujano, una máquina de tren en el fondo, una nube y una bola. Un total de siete objetos sin relación física alguna entre ellos. Esta obra y todas las demás consideradas metafísicas pueden tener tantas interpretaciones como espectadores. C'è più mistero nell'ombra di un uomo che cammina in una giornata di sole che in tutte le religioni del mondo. Giorgio de Chirico
	Le Chant d'amour / Óleo sobre tela / 59 cm x 79 cm.

La pintura metafísica es un movimiento artístico surgido en Italia que, con la imagen, pretendía conseguir un ambiente onírico mediante el inconsciente.

A pesar de la representación de imágenes, los pintores metafísicos buscaban explorar el subconsciente con la yuxtaposición de objetos sin relación alguna con apariencia formal. La pintura metafísica intentaba plasmar algo alejado de la realidad: el sueño a través del subconsciente.

Además de Giorgio de Chirico, otros pintores metafísicos fueron Carlo Carrà y Giorgio Morandi.

Este movimiento artístico confluyó en el Dadaísmo y en el Surrealismo.

Esta obra representa un medio entorno arquitectónico con la escultura del Apolo de Belvedere, un guante de cirujano, una máquina de tren en el fondo, una nube y una bola. Un total de siete objetos sin relación física alguna entre ellos. Esta obra y todas las demás consideradas metafísicas pueden tener tantas interpretaciones como espectadores.

C'è più mistero nell'ombra di un uomo che cammina in una giornata di sole che in tutte le religioni del mondo.

Giorgio de Chirico

Le Chant d'amour / Óleo sobre tela / 59 cm x 79 cm.

	RENÉ MAGRITTE René Magritte fue un pintor surrealista con fuertes connotaciones intelectuales. Si yo hiciera la pregunta: ¿Qué es esto? Muchas respuestas serían: Esto es una pipa. Y yo respondería: Esto no es una pipa. Si fuera una pipa, podríamos fumarla y es evidente que no se puede fumar. ¿Y si se me preguntara qué es eso? Yo contestaría, esto es la imagen de una pipa. La imagen no es el objeto. La imagen es un lenguaje que nos permite percibir la forma de la realidad del objeto sin ser objeto. La imagen sustituye a la realidad. Este es un sistema mental del que Magritte hace uso en esta obra. El espectador no debe desconcertarse por la dualidad objeto-imagen, sino aceptarla como una simple realidad. En esta obra no debemos buscar valores puramente estéticos.
	El año 1982 creé un cuadro de la serie llamada "autobiografía en imagen" en la que hice uso de la dialéctica "la imagen no es el objeto" del cuadro de René Magritte. Esta serie fue compuesta sin proyectos previos. La construcción de los cuadros y sus composiciones se producía en función de valores puramente estéticos. Haga clic en el siguiente enlace para ver toda la serie: www.rodríguez-amat/a-i-esg.html

RENÉ MAGRITTE

René Magritte fue un pintor surrealista con fuertes connotaciones intelectuales.

Si yo hiciera la pregunta: ¿Qué es esto? Muchas respuestas serían: Esto es una pipa. Y yo respondería: Esto no es una pipa. Si fuera una pipa, podríamos fumarla y es evidente que no se puede fumar. ¿Y si se me preguntara qué es eso? Yo contestaría, esto es la imagen de una pipa.

La imagen no es el objeto. La imagen es un lenguaje que nos permite percibir la forma de la realidad del objeto sin ser objeto. La imagen sustituye a la realidad.

Este es un sistema mental del que Magritte hace uso en esta obra. El espectador no debe desconcertarse por la dualidad objeto-imagen, sino aceptarla como una simple realidad.

En esta obra no debemos buscar valores puramente estéticos.

El año 1982 creé un cuadro de la serie llamada "autobiografía en imagen" en la que hice uso de la dialéctica "la imagen no es el objeto" del cuadro de René Magritte.

Esta serie fue compuesta sin proyectos previos. La construcción de los cuadros y sus composiciones se producía en función de valores puramente estéticos.

Haga clic en el siguiente enlace para ver toda la serie:

www.rodríguez-amat/a-i-esg.html

	LA SAGRADA FAMÍLIA ANTONI GAUDí (1852 - 1926) Originariamente, el templo, llamado expiatorio, fue encargado a diferentes arquitectos antes de que el año 1883 Antoni Gaudí asumiera el proyecto. Fue en 1891 cuando empezaron las obras de la fachada del nacimiento. Las obras quedaron paradas a lo largo de mucho tiempo, hasta que el 1944 se reanudó a partir de los proyectos de Gaudí, gracias a los esbozos, maquetas y dibujos dejados por el arquitecto. La Sagrada Família, además de la cripta, está compuesta por tres fachadas (Nacimiento, Pasión y Muerte) dos de las cuales ya terminadas y la tercera aún por construir. Cada una de estas fachadas está compuesta por cuatro torres, simbolizando a los apóstoles. Además de las fachadas se encuentran la torre de María y las cuatro torres de los evangelistas (Marco, Mateo, Lucas y Juan), cada una de las cuales alcanzan 135 metros de altura. La torre central (torre de Jesús) está prevista terminarla el 2025 y alcanzará una altura total de 172 metros. En un principio, las obras de la construcción se financiaban por recaudación popular. Personalmente, recuerdo cómo en los años cincuenta, una vez al año, se hacía una recauda para su construcción. Hoy se financia la continuidad de la construcción gracias a los millones de visitantes.
	Fachada de la Passión con esculturas de Josep Maria Subirachs		vFachada del Nacimiento

LA SAGRADA FAMÍLIA

ANTONI GAUDí (1852 - 1926)

Originariamente, el templo, llamado expiatorio, fue encargado a diferentes arquitectos antes de que el año 1883 Antoni Gaudí asumiera el proyecto. Fue en 1891 cuando empezaron las obras de la fachada del nacimiento. Las obras quedaron paradas a lo largo de mucho tiempo, hasta que el 1944 se reanudó a partir de los proyectos de Gaudí, gracias a los esbozos, maquetas y dibujos dejados por el arquitecto.

La Sagrada Família, además de la cripta, está compuesta por tres fachadas (Nacimiento, Pasión y Muerte) dos de las cuales ya terminadas y la tercera aún por construir. Cada una de estas fachadas está compuesta por cuatro torres, simbolizando a los apóstoles. Además de las fachadas se encuentran la torre de María y las cuatro torres de los evangelistas (Marco, Mateo, Lucas y Juan), cada una de las cuales alcanzan 135 metros de altura. La torre central (torre de Jesús) está prevista terminarla el 2025 y alcanzará una altura total de 172 metros.

En un principio, las obras de la construcción se financiaban por recaudación popular. Personalmente, recuerdo cómo en los años cincuenta, una vez al año, se hacía una recauda para su construcción. Hoy se financia la continuidad de la construcción gracias a los millones de visitantes.

Fachada de la Passión con esculturas de Josep Maria Subirachs

vFachada del Nacimiento

Detalle de esculturas de la fachada del Nacimiento

Las esculturas de la fachada del Nacimiento fueron hechas mediante moldeo con yeso de objetos, animales o plantas, técnica que ya habían utilizado los griegos.

Vista interior del templo.

La boveda interior.

Las columnas inclinadas y a partir de un capitel en forma de nudo salen otras columnas formando unos árboles. Sobre estas columnas descansan unos arcos parabólicos que soportan el peso de las bóvedas.

Las cuatro columnas del transepto están dedicadas a los evangelistas y las otras doce a los apóstoles. Gaudí utilizó una gran cantidad de simbologías en el templo.

Según el propio Gaudí, la estructura de las bóvedas de la Sagrada Familia las probó en la Colonia Güell. Sin ese ensayo, dijo, no me hubiera atrevido a adoptarla para el templo

Vidrieras del templo de estilo gótico.

La dedicación absoluta de toda una vida me permite hoy aún más disfrutar del magnífico mundo del arte.

El ejercicio durante años de la docencia ha desarrollado en mí el placer de expresar mis pensamientos.

Te he presentado diez obras extraídas del maravilloso mundo del arte y he hecho unos comentarios sobre las diferentes obras. Espero y deseo que hayan sido de tu agrado y hayas sacado un buen provecho.

Centro de arte contemporáneo Rodríguez-Amat

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