Dieser Text wurde nach dem Besuch der Ausstellung ARMAN im Georges Pompidou Centre in Paris an einem Tag des Monats Oktober 2010 geschrieben.

Mein Ziel war, die Überlegungen, die ich als Ausstellungsbesucher in drei oder vier Stunden machte, schriftlich festzuhalten.

Ich wollte Fiktion mit Essay verbinden, denn die Charaktere in dieser Geschichte sind reine und einfache Fiktion. Auch der Erzähler muss als eine fiktive Figur betrachtet werden.

Ich habe einen Teil des Textes in Form eines Dialogs präsentiert, um die Fiktion zu schaffen. Der andere Teil sind Reflexionen, die in Form eines Essays präsentiert werden.

Die Entwürfe, mit denen der Text geschrieben wurde, wurden in der Ausstellung selbst verfasst. Später wurde ihm die Form gegeben, sowohl die, die als Aufsatz erscheint, wie der Dialog.

Ich möchte nicht, dass diese Überlegungen als persönliche Haltung gegenüber zeitgenössischer Kunst verstanden werden. Nun, meine Absicht war nicht, eine Verteidigung zu betreiben, und noch weniger eine Kritik, Der Eklektizismus meines Denkens über zeitgenössische Kunst, als kreativer Akteur, und auch als Kunstbetrachter erlaubt mir, jeden Vorschlag über die Kunst von heute offen zu akzeptieren.

WO SIND DIE GROSSEN WEISEN DER KUNST?

Essay und Fiktion

Jordi RODRÍGUEZ-AMAT

In der Schlange des Georges Pompidou Zentrum in Paris am ersten Sonntag des Monats Oktober 2010 um 11 Uhr morgens. Ausstellung: Armann.

Hinter mir höre ich jemanden fragen „Wer ist dieser Arman ?“ während er auf ein Plakat zeigt.

Es gibt immer eine lange Schlange im Pompidou Zentrum in Paris. In allen Museen, in allen Ausstellungen gibt es immer Schlangen in Paris. Heute ist das Nationalmuseum für moderne Kunst kostenlos, diese Ausstellung aber nicht.

„Warum gibt es so viele Menschen, obwohl die Ausstellung nicht kostenlos ist?“ Höre ich jemanden sagen. Kostenlos oder nicht, es gibt immer Leute im Pompidou Zentrum. Die Leute sind wissbegierig, sie wollen alles wissen. Wenn sie wissen, denken sie, werden sie besser und glücklicher sein. Sie laufen überall hin, wo sie meinen, etwas lernen zu können. Genau gesagt sie wollen so viel wissen wie die weisen Menschen, die viel von Kunst verstehen. Ich bin auch hier, weil ich auch viel lernen will. Aber was kann man über Kunst wissen? Wer könnte mir sagen, was man über Kunst wissen kann? Wo sind die weisen Menschen, die alles über Kunst wissen? Persönlich kenne ich sie nicht.

Nur sehr berühmte Künstler können hier ihre Werke ausstellen, also diejenigen die von den großen Weisen der Kunst, als die leuchtenden Beispiele der ästhetischen Gegenwart bezeichnet werden.

Einmal in der Ausstellung, nachdem ich natürlich meine Eintrittskarte bezahlt hatte, sehe ich, dass es Zuschauer jeder Art gibt.

Es gibt jenen, der alles erstaunt ansieht, als entdeckte er etwas aus einer anderen Galaxie. Es gibt auch den Neophyten der sagt, dass er nichts versteht. Ich muss gestehen, dass ich auch dort bin. Es gibt auch einige, die sogar glauben, dass sie alles verstehen und die eine feste Vorstellung über Kunst haben, auch wenn sie keine weisen Menschen sind, obwohl sie sich dafür halten und es wagen zu erklären, dass alles, was da ausgestellt ist, keine Kunst ist.

Plötzlich höre ich ein sehr junges und hübsches Mädchen sagen:

- Ist das Kunst ?

Es ist eine Frage der Ungläubigen, würde ein weiser Mensch sagen.

- Aber, meine Liebe, siehst du nicht, dass das eine Kunstausstellung ist ?

Antwortet ihr ein junger Mann, der sehr in sie verliebt zu sein scheint.

Ich wende mich nach rechts und links. Titel von dem Werk? Obwohl man es sehen kann, will der Künstler seinen Werken einen Titel geben, nicht das jemand sie nicht verstehen könnte. Colère de Mandoline (Eine geschlachtete und zerstörte Mandoline). Poubelle des Halles (Allerlei Müll in einer Glaskiste). Tötet ihr alle, Gott wird sie alle erkennen. (Dreißig alte Sprühstöße um Fliegen zu töten). Accumulation de machines à écrire dans une boîte en bois. (Anhäufung von Schreibmaschinen in einer Holzkiste). Ich denke immer noch warum einen Titel? Sieht man es denn nicht? Butterfly Variations. (Schmetterlingsvariationen – eine zerschnittene Geige und als Schmetterling auf ein Holzbrett gehakt). Das Werk, das da kommt, liebte ich sehr viel. Le fauteuil d'Ulysse (Odysseus Sofa. Ein halb verbrannter Sessel).

Ein bisschen müde vom Lesen so vieler Titel ... Mein Gott! Was für schöne Beine! Ja, es ist ein Mädchen, nicht so jung, aber heute will sie ihren Körper zeigen. Zwischen zwanzig und fünfundzwanzig ist sie, könnte man sagen, perfekt! Sie weiß, wie sich ein schönes Mädchen bewegt, sie hat Stil und sie weiß es auch. Halbhohe Schuhe, kurzer Rock, anderthalb Handbreit über dem Knie. In diesem Moment zweifle ich, soll ich das Mädchen oder die ausgestellten Werke angucken.

Hier kann der Geist nicht passiv bleiben und ich frage mich, was wäre, wenn diese Ausstellung in einer anderen Kunstgalerie ohne dem Glamour des Pompidou Zentrums und unter einem unbekannten Künstlernamen präsentiert würde?

Welche Reaktionen würden dieser Zuschauer haben? Zum Beispiel der, der sich alles erstaunt anschaut, als entdeckte er etwas aus einer anderen Galaxie. Vielleicht wäre er, so wie ich, nicht hingegangen. Der, der glaubt alles zu wissen, wäre sicher auch nicht dahingegangen. Was sollte er in einem Raum ohne Prestige machen? Und der weise Mann, der sagt, dass er alles versteht? Würde er dahin gehen oder nicht? Er hätte sich die Ausstellung angeguckt, wenn er zufällig da durchgegangen wäre und Zeit für eine solche Banalität gehabt hätte. Der wäre sicher der Einzige, der sagen würde: Das ist Kunst.

Mein Wunsch, alles sehr gut zu verstehen, zwang mich, nachdem ich die ganze Ausstellung einmal angeschaut hatte, zurückzugehen, um wieder zu beginnen. Mit der Wiederholung die Werke nochmal ganz langsam betrachtend, möchte ich mit sehr tiefen Überlegungen alles verstehen.

- Heute gibt es die die von Ästhetik reden, ohne genau zu wissen, was sie ist. Was sagt Kant über Ästhetik? Hast du es gelesen? Und Hegel? Und alle die Gelehrten des 20. und 21. Jahrhunderts, die viel von Kunst verstehen? Sicherlich hast du sie nicht gelesen. Einer sagt etwas, was der andere leugnet. Und was der sagt, wird von allen anderen in Frage gestellt. Die Dialektik, glaub mir mein Freund, ist eine von den vielen Aspekten, die der zeitgenössischen Kunst eine Bedeutung geben.

Das sagte eine Dame, die neben mir saß, als ich, um mich von dem künstlerischen Aufbrausen dieses Ortes zu erholen, eine Bank gefunden hatte, auf die ich meinen Popo in ästhetischer Weise setzte.

- Hast du von psychologischer Ästhetik gehört? Und von phänomenologischer Ästhetik? Und von analytischer Ästhetik? Es ist so, sagte die Dame weiter, dass alle Überlegungen rund um die Kunst und speziell um die Ästhetik durchaus komplex sind.

Und die gute Frau fuhr fort zu sagen:

- Einige sprechen über amerikanische analytische Ästhetik und über ästhetische Chirurgie und ästhetische Ejakulation.

Oh! Entschuldigung, ich hörte es nicht richtig, sie sagte: ästhetische Evaluation.

- Darüber hinaus finden wir vielen Äußerungen wie ästhetische Haltung, Ästhetiktheorie, ästhetische Verstaatlichung der Existenz, Wahrnehmungsästhetik, ästhetische Wertschätzung, ästhetisches Regime, ästhetische Erfahrung sowie ästhetische korrelative Erfahrung und........ hör mir zu ......Systematisierung der Ästhetik der Zeiten des Erfolgs. Folgst du mir ?

Fragte sie ihn, und mit pompösem Stolz auf ihr großes Wissen über Ästhetik, wurden ihre Wangen aufgeblasen. Ich war völlig verloren, weil ich nichts erfassen konnte. Aber ich muss gestehen, dass ich für einen Moment dachte, die Dame verstehe viel von Ästhetik?

 

 

Das Bewusstsein des Individuums in Wechselbeziehung mit der künstlerischen Umgebung zwingt uns, darüber nachzudenken, dass sich Kunstkenner ohne Hellsichtigkeit und oft verwirrend ausdrücken. Auf der anderen Seite ist Kunst keine Wissenschaft, von der eine Kenntnis mit voller Bewusstheit erreicht werden kann, die es dem reflexiven Individuum ermöglicht, aus dem Zweifel herauszukommen, besonders wenn man akzeptiert, dass es über Kunst keine absolute Wahrheit gibt. Kunst ist heute eine vielseitige Tätigkeit, deren Kenntnis aufgrund der Heterogenität vieler ihrer Formulierungen relativ ist.

Das Wissen um die sogenannte zeitgenössische Kunst wird durch viele Überlegungen, Studien und Lesungen so wie unter vielen anderen Manifestationen modelliert. Der Künstler zweifelt solange er sich des Weges, dem er folgen muss, unsicher ist, bis er schließlich eine konzeptionelle Kohärenz und relative Stabilität in seiner künstlerischen Reise erreicht. Von diesem Moment an bleibt der Künstler selbst, sein Stil, die Linie oder der Begriff der künstlerischen Reise absolute Wahrheit.

Wir wissen, dass jede Arbeit, ob künstlerisch oder nicht, sowie jedes Objekt aus ästhetischer Sicht betrachtet und bewertet werden kann. Was sich bei diesen Bewertungen unterscheidet, sind die Sichtweisen der Betrachter. Und es sind diese Standpunkte, die die Beurteilungen bestimmen, die sich sehr voneinander unterscheiden können. Sie können sogar ganz gegensätzlich werden.

 

Die gute Dame sprach einen Mann an, der an ihrer Seite war. Der Mann und ich zusammen mit der Dame bildeten ein Sandwich. Sie war der Schinken. Nach einer Weile und nach tiefen Überlegungen antwortete der Herr, der eine bürgerliche Krawatte trug:

- Heute ist die Kunst im Niedergang!

Diese beiden, lass mich sie Betrachter nennen, sprachen und sprachen, und ich hörte ihnen erstaunt zu.

- Siehst du wie die einfache Zerstörung einer Geige.......

Auf einem Holzbrett war da eine zerbrochene Geige, unter Glas und mit einem Rahmen.

........ Es wird als ein Kunstwerk präsentiert !

Antwortete wieder die Dame. Und weiter gab es, in eine Art Harz getaucht, Detritus, den der Künstler in einem Mülleimer gejagt hatte.

- Glaub nicht, dass die Kunst im Niedergang ist !

Sagte nochmal die Dame. Plötzlich habe ich glauben wollen, dass es die Dame war, die viel über Kunst wusste, auch wenn ich nicht ganz überzeugt war, dass sie eine große Weise der Kunst war.

- Die bloße Zerstörung eines Objekts oder die Anhäufung von Müll in einer Kiste kann niemals als Kunstwerk betrachtet werden.

Antwortete ihr der Herr. Und er fuhr fort:

- Du hast über Ästhetik gesprochen. Was ist deine Ästhetik hier? Ästhetik ist ein Teil der Philosophie, der sich mit Schönheit beschäftigt.

Die Dame, gefärbt und sehr kurze Haare, antwortete erneut ::

- Die Ästhetik muss in ihren mehrfachen Würdigungen, Definitionen und Interpretationen akzeptiert werden.

Und der Mann, der seinen Kopf bewegte, antwortete :

-Aber wenn die Ästhetik ein Teil der Philosophie genauso wie die Logik ist, kann man das alles hier logisch nennen? Logik ist ein Teil der Philosophie, der unter anderem die Gesetze der Vernunft untersucht und hier gibt es absolut nichts von Logik.

- Bedenke, dass die Kunst von heute, die wir zeitgenössische Kunst nennen, auf Werten und Konzepten basiert, die nicht unter den gleichen Parametern betrachtet werden können wie die Kunst anderer Zeiten.

Antwortete die Dame.

- Auf der anderen Seite weiß ich, dass es Leute gibt, die sagen, dass wir einen anderen Namen finden sollten, um das Konzept der zeitgenössischen Kunst zu bezeichnen, einfach, weil diese Kunst nichts zu tun hat, mit irgendeiner Definition, der Kunst anderer historischer Zeiten. Kunst ist heute keine Philosophie, sie ist keine Wissenschaft, sie ist auch keine Religion.

- Sie ist nichts.

Unterbricht der Herr.

- Halt die Klappe und lass mich sprechen.

Erwiderte die Dame.

- Die zeitgenössische Kunst.

Sagte die Dame weiter.

- Es ist eine Tätigkeit des Menschen, die vorher nicht existierte.

Der gute Mann, nachdem er darüber nachgedacht hatte, antwortete ihr.

Der gute Mann, nachdem er darüber nachgedacht hatte, antwortete ihr.

- Diejenigen, die glauben, etwas von zeitgenössischer Kunst zu verstehen und sich selbst als besonders wichtig voranstellen, wollen die sozialen Massen überzeugen, -Entschuldigung- besser eine soziale Minderheit, mit unlogischen Reflexionen, die sich unter der gleichen Absurdität und Relativität zu neuen Formen menschlichen Handelns erheben wollen.

- Mein Freund.

Antwortete die Dame.

- Die Welt ist nicht statisch und im Gegenteil, sie entwickelt sich ständig weiter und ist revolutionär und der Künstler kann nicht weit von dieser Welt entfernt sein. Deshalb muss der Kunstschaffende ein Revolutionär sein.

Der Herr, der auf der anderen Seite der Dame saß, sprach laut und so konnte ich ihn verstehen, ohne mein Gehör anzustrengen. Selbstverständlich habe ich sie nicht angeschaut, ich tat so als wäre ich abwesend, nicht dass sie ihre Unterhaltung unterbrächen.

- Das was du und wenige andere zeitgenössische Kunst nennen, lacht uns frech ins Gesicht. Ich werde es dir erklären.

Es war der Herr, der jetzt sprach.

- Früher und heute muss jede Person, die mit menschlicher Aktivität beschäftigt ist, nicht nur ständige Studien, sondern auch Anstrengungen unternehmen, und alles, was wir hier sehen, erfordert nichts davon. Diese, die ihr Künstler nennt, brauchen sich nicht anzustrengen, um Zugang zu einer professionellen Ausbildung zu bekommen, die es ihnen ermöglicht, Kunstwerke zu schaffen, und das Einzige, was hier getan wird ist, sich solchen dummen Dingen zu widmen.

Die Dame, die nicht schön war, obwohl sie blauen Lidschatten trug, antwortete ihm.

- Das, wovon du sagst, dass es keine Kunst ist, erfordert auch Anstrengungen vom Schöpfer. Die einfache Idee, alles zu zerbrechen und zu zerstören, reicht aus, um zu zeigen, dass es einen gewissen persönlichen Geisteszustand erfordert, und diese großen Anstrengungen sind der Zugang zu neuen Formen menschlicher Schöpfung.

Und die Dame, sehr lebhaft, fuhr fort.

- Du weißt sehr gut, dass alles relativ ist, dass es in der Kunst, wie in vielen anderen menschlichen Aktivitäten keine absolute Wahrheit gibt. Sogar die Existenz des Menschen ist relativ. Außerdem gibt es nichts Statisches und der Gedanke entwickelt sich ständig weiter. Du sagst, dass, das was wir zeitgenössische Kunst nennen, keine Kunst ist, dass es ganz absurd ist und keinen Sinn hat. Warum akzeptierst du nicht, dass auch das Absurde als Kunst akzeptiert werden kann und mit künstlerischen Werten auch Sinn erlangen kann? Sogar die Ästhetik, über die ich schon gesprochen habe, ist relativ. Die Kunst zerstört heute etablierte Prinzipien und tut es mit Absicht, bewusst. Du sagst, dass diese Kunst nur das Erbe einer Minderheit ist, mit der ich absolut einverstanden bin, eines Tages aber wird sie Massenkultur werden. Die Logik der Unlogik und die Bewertung der Absurdität werden diese Kunst zum Kunstwerk erheben. Und das ist Kunst, weil es die Künstler selbst waren, die diese neuen Formen des menschlichen Geistes entwickelt haben. Wenn wir über die Entwicklung der Kunst des letzten Jahrhunderts, das heißt, des 20. Jahrhunderts, nachdenken würden, würden wir sehen, wie sich alles kontinuierlich entwickelt hat. Jeder Künstler hat neue Beiträge geleistet, es waren neue Ideen, um zu erreichen, was wir hier sehen. Und das ist auch Kunst, weil die Künstler es Kunst nennen.

Obwohl ich mich sehr konzentrierte, um dem Gespräch folgen zu können, begann ich den roten Faden zu verlieren. Ich dachte auch, dass ich einer dieser zeitgenössischen Künstler sein könnte, weil ich versuchte, all diese Konversation zu verstehen. Tatsache ist, dass ich nichts Neues geschaffen hatte. Ich wollte nur alles verstehen, was diese Leute sagten. Irgendwann dachte ich, dass diese beiden bei so vielen Überlegungen müde werden könnten, aber ihre Energien und ihr Vertrauen in die Unterhaltung waren groß und sie fühlten sich mutig.

Sie hörten einige Sekunden auf zu sprechen, und ich nutzte die Gelegenheit, um die Beine der Dame anzugucken, dabei bemerkte ich aus dem Augenwinkel, dass ihre Nylonstrumpfhose an dem linken Oberschenkel eine Laufmasche hatte. Ich konnte sie sehen, weil die Dame sich den Rock beim Sitzen über das Knie gezogen hatte. Starke Oberschenkel dachte ich.

Nach und nach schien sich die Dame zu erregen. Sie glaubte so stark daran, dass alles, was da ausgestellt wurde, sehr gut war, dass ihre Wangen beim Sprechen rot wurden.

- Es scheint mir, als ob du eine Doppelnull wärst, mein Freund.

Fuhr sie fort.

- Die mentalen Strukturen, die Freiheiten des Geistes, die Einbildungskraft, unter vielen anderen Werten, sind Elemente, die es erlauben, neue Formen des menschlichen Handelns zu schaffen, und die zeitgenössische Kunst ist eine. Du musst denken, dass die Befreiung, von dem, was du Kunst nennst, ein Weg ist zu verstehen, dass der Künstler früher und heute seiner Zeit stets voraus ist.

 

 

Fanatismus in nichtwissenschaftlichem Wissen kann die Fähigkeit des Individuums zu reflektieren vernichten. Religiöser, nationalistischer und/oder politischer Fanatismus sind klare Beispiele dafür. Von dem Moment an, als die Künstler über die große Mehrheit der Menschen erhoben würden, begannen die Diskussionen über die Kunst, die uns in den letzten zwei Jahrhunderten ständig begleiteten.

Erinnern wir uns an die unendlichen Debatten zu Beginn des 19. Jahrhunderts zwischen den Verteidigern der romantischen Malerei und denen der Neoklassiker oder, am Ende des 19. Jahrhunderts, zwischen den Malern, die man “Pompiers” nannte und den "Impressionisten". Es muss nicht hinzugefügt werden, dass die Kontroversen während des gesamten Zwanzigsten Jahrhunderts eine Konstante war, und dies nicht mehr nur bei den Künstlern selbst, sondern auch bei denen, die irgendwie an künstlerischen Aspekten interessiert waren. Es gab die einen, die in etablierten Prinzipien verankert waren, die von ihnen selbst für unveränderlich gehalten wurden, und die anderen, die um jeden Preis bereit waren, diese Prinzipien zu brechen. Beide erzeugten eine Dialektik, in der jeder von ihnen Recht hatte. Zwei gut differenzierte Formulierungen, da die Kunst für einige unveränderlich ist, während sie für andere wie das Leben ist und sich folglich ständig weiterentwickelt. In keiner Geisteswissenschaft gibt es eine absolute Wahrheit und jeder Mensch begründet seine eigene Wahrheit mit eigenen Argumenten.

Die Verfechter dieser neuen Kunstbewegung sagen: Wir müssen die Weise, in der wir zeitgenössische Kunst bewerten, ändern. Die Gegner dieser Kunst jedoch äußern mit großer Skepsis, dass die ewigen Prinzipien, die einzigen sind, die die Kunst strukturieren müssen. Unter diesen Diskrepanzen müssen wir akzeptieren, dass jeder Mensch das Recht hat, seine Prinzipien zu verteidigen, welche auch immer sie sein mögen.

Trotz dieser Relativität müssen wir feststellen, dass heute die Kriterien für die Bewertung der sogenannten zeitgenössischen Kunst nicht auf reinen und einfachen ästhetischen Prinzipien beruhen können. Die Tatsache, dass wir sie nicht mit den gleichen Kriterien bewerten, die wir zuvor für die Kunst verwendet haben, zwingt uns Adjektive zu verwenden, um deutlich zu machen, worüber wir sprechen. Einige Befürworter der zeitgenössischen Kunst sagen sogar, dass man einen anderen Namen nehmen sollte. Die Tatsache jedoch, dass die Evolution ihren Ursprung in der Kunst, insbesondere in der modernen Kunst hatte, und dass die Künstler selbst die Produzenten dieser Entwicklungen waren, hat bewirkt, dass der Begriff Kunst nicht aufgeben wurde.

Es gibt auch solche, die die Möglichkeit einer Namensänderung deshalb ablehnen, weil sie der Meinung sind, dass die Unterschiede der konzeptuellen Prinzipien zwischen den Künsten anderer Zeiten so groß oder sogar größer sind als heute. Der einzige Unterschied ist, dass sich das Tempo der Veränderungen gerade in der Neuzeit extrem beschleunigt hat. Auf die gleiche Weise sehen wir, dass die Kunst Anfang des 20. Jahrhunderts als modern bezeichnet wurde, um die Unterschiede in Bezug auf die Kunst des XIX Jahrhunderts zu verdeutlichen. Nehmen wir ein Buch des allgemeinen Studiums der Kunstgeschichte, und wir werden sehen, dass die Prinzipien, Zwecke, Ästhetik usw. absolut verschieden sind.

Es scheint, als würde sich die Geschichte zwischen Evolutionisten und Konservativen in Kunstangelegenheiten ständig wiederholen. Es gibt immer Beispiele dafür. Wir denken, dass Vasari bereits im 16. Jahrhundert die Kunst des 13. 14. und 15. Jahrhunderts als gotisch bezeichnet hat, was gleichbedeutend mit Barbarei war. Und noch heute klingen die Diskussionen nach, die sich vor vierzig oder fünfzig Jahren die Verteidiger der modernen Kunst und ihre Kritiker lieferten. Es gab die Verfechter der abstrakten Kunst und die, die nur die figurative Kunst akzeptierten.

 

Erlaubt mir zu gestehen, dass ich vor dem Eintritt in die Ausstellung schon den Katalog gekauft hatte und ihn, während ich mit meinem Gesäß auf einem Stuhl der Pompidoudachterrasse vor einem Kaffee mit Milch, der mir von einer wunderschönen Mulattin serviert wurde, saß zuerst durchblätterte und dann las. In Paris, wie ihr alle wisst, gibt es viele entzückende Mädchen mit dunkler Hautfarbe. Ich dachte, dass derjenige, der die Einführung dieses Katalogs geschrieben hat, viel über Kunst wusste. Es ist klar, dass ich den Katalog gekauft hatte, weil ich auch viel über Kunst wissen wollte. Ich fühlte mich wie eine Eule mit weit geöffneten Augen und mein Gehirn strengte sich an zu verstehen, was in dem Katalog geschrieben stand. Lasst mich euch mitteilen, dass es zwei Kataloge gab. Der eine war sehr dick mit allen Reproduktionen von, sagen wir, den Kunstwerken, die dort ausgestellt waren. Ich hatte einen viel Billigeren gekauft, und nicht wegen des Preises, sondern weil ich dachte, dass er ausreichte, um zu verstehen, was da ausgestellt war.

Dazu las ich auch, als ich die Ausstellung besuchte, die Texte, die an den Wänden neben den Werken standen. Diese Art von Schriften beeinflussen den Betrachter damit sie genau verstehen was der Künstler ihnen erklären will. Ein Beispiel könnte das Werk dieses Künstlers, dass aus Müll gemacht wurde, sein. Der Künstler hatte Abfälle an verschiedenen Orten gesammelt. Er hatte Flaschen, Plastik aller Art, schmutziges Papier, Dosen, Kleidungsstücke, so wie viele andere Gegenstände, in Holzkisten oder Plexiglaskisten hineingestellt. In diesem Moment dachte ich, dass ich mich anstrengen musste, um das alles zu verstehen, aber sofort habe ich auch gedacht, dass es keinen Sinn machte, weil ich gehört hatte, dass es in der zeitgenössischen Kunst nichts zu verstehen gibt.

 

 

Ungeachtet der besonderen Merkmale jedes historischen Moments war das plastische Bild im Laufe vieler Jahrhunderte dem Imperativ der gegenständlichen Darstellung unterworfen. Viele Male ist der Bildinhalt selbst zur Bedeutung der Arbeit geworden und hat die subjektive Realität des Augenblicks gezeigt. Aus heutiger Sicht könnte man auch annehmen, dass die Gesellschaft von der Kunst ständig Inhalt und Gegenständigkeit verlangt hat.

Die Möglichkeit der Existenz einer Kunst ohne bildnerische Erzählung ermöglichte in bestimmten Momenten des Zwanzigsten Jahrhunderts plastische Ausdruckformen frei von dem Zwang nach einem bildnerischen Inhalt. Dies hat eine große Anzahl von ästhetischen Lehren hervorgebracht, auf denen einige Künstler ihre Arbeit aufbauen konnten. Diese Tatsache hat viele Schöpfer dazu veranlasst, die Darstellung des Objekts zu veranlassen und sie haben eine Dialektik des Bildes zwischen visueller Erzählung und bestimmten plastischen Werten geschaffen, die unabhängig von der Darstellung selbst sind. Deshalb ist visuelle Erzählung für viele Künstler eine reine Anekdote, die zerstört werden muss. Für andere ist sie jedoch ein Wert, der eine starke Rolle in der Arbeit spielt.

Die künstlerischen Bewegungen, die im letzten Jahrhundert Gestalt angenommen haben, lassen uns vermuten, dass der Künstler auf der Suche nach absoluten Wahrheiten in ein wildes Wettrennen verwickelt ist. Selbst bestimmte kreative Einstellungen neigen dazu, künstlerische Produktion mit einfachen ästhetischen Zwecken zu vermeiden. Modernität oder besser gesagt, Zeitgenössigkeit wird so zu einer Entscheidung, einer Einstellung des Individuums.

Auf der anderen Seite gibt es eine starke Tendenz, irgendeine künstlerische Doktrin, die gleichzeitig in einfache plastische Handlung übersetzt werden kann, zu theoretisieren. Jeder Künstler hat eine klare Tendenz, seine Arbeit innerhalb bestimmter Parameter zu definieren und seine Welt so abzugrenzen, dass er seinen persönlichen Status erreicht und sich von jeder anderen Umgebung unterscheidet. Heutzutage verleiht die Pluralität der Prinzipien der Kunst die Fähigkeit, das Bewusstsein des Individuums zu erweitern, zu orientieren und gleichzeitig zu entwickeln.

 

Für einen Moment fürchtete ich, ihr Gespräch zu verlieren und ich habe sofort mein Ohr geschärft.

Jetzt sprach der Mann weiter

.- Glaubst du, dass das künstliche Gebiss, das in diese Schachtel gelegt wurde, als Kunst betrachtet werden kann?

Und die Dame, die jetzt ganz böse war, antwortete.

- Aber habe ich dir nicht gesagt, dass du diese Werke nicht anders als in ihrem zeitgenössischen Kontext schätzen kannst?

Ich möchte diese Dame nicht bei mir kochen sehen. Nun glaube ich nicht, dass sie kochen könnte. Was für ein furchtbarer Charakter! Dachte ich. Der Klang ihrer Wörter stach wie Buntkopf-Stecknadeln in meinem Kopf. Ich koche sehr gerne, dachte ich.

- Es sind neue Konzepte, Handlungsformen, die als absurd betrachtet werden müssen. Diese Absurdität ist an sich ein Kunstwerk.

Der Mann kratzte sich am Hals. Es schien, dass ihn etwas biss.

- Und was soll man daran schätzen?

Hat er sie gefragt.

- Man muss nichts daran schätzen.

Erwiderte sie, ganz verärgert.

Sie hörte eine Weile auf zu sprechen, aber ihr Drang, ihn zu überzeugen, dass das alles Kunst war, zwang sie, weiterzusprechen.

- Hör auf, die Frau mit dem kurzen Rock anzuschauen und schau mich an. Die Formen und Konzepte, auf denen diese neue Handlungsform basiert, sind völlig relativ und können nicht mit deiner Logik bewertet werden. Es scheint, als ob es für dich nichts anders als deine Logik gebe. Du musst wissen, dass die Künstler ihren Zeiten voraus sind.

Die Dame schaute nach oben und blies.

Der Herr, obwohl nicht so viel wie die Dame, begann auch böse zu werden.

- Schau mich an und hör mir zu.

Setzte sie fort.

- Dir gefällt Monets Malerei, der Maler, dessen Ausstellung wir gestern im Grand Palais gesehen haben. Nun, vor über hundert Jahren haben die Leute von seiner Malerei genau das gesagt, was du gerade von diesem Künstler sagst. Ich gebe dir ein Beispiel. Es wurde dann gesagt, dass schwangere Frauen keine Ausstellung von impressionistischen Künstlern sehen sollten, weil sie ihr Kind verlieren würden. Man erzählte das, weil sie die impressionistische Malerei für gruselig hielten. Glaubst du mir oder nicht?

Sagte ihm die Dame ganz wütend.

Für einen Moment hatte ich Angst, dass die Dame ihm eine Ohrfeige geben würde.

Der Mann teilte die Ideen dieser Dame ganz und gar nicht. Es scheint, dass es immer so ist, wenn man nicht akzeptiert, was man zeitgenössische Kunst nennt. Ein weiterer Versuch, sein Kriterium durchzusetzen, führte ihn dazu, wie ich dachte, sich über eine Reihe halb verbrannter Objekte zu äußern. Texte an den Wänden erklärten, dass der Künstler Gegenstände verbrannte und löschte, bevor das Feuer sie vollständig verzehrte. Die Verbrennung des Objekts war Teil der Zerstörungsaktion, einer der gezeigten Kunstserien.

Der Mann sagte mit einer gewissen Ironie.

- Es muss kein großartiger Künstler sein, da er die Arbeit nicht beendet. Er lässt die Objekte halb verbrennen.

Die Dame den ironischen Ton bemerkend, bewegte verächtlich den Kopf und antwortete ihm nicht.

 

 

Wenn wir die Geschichte der Kunst analysieren, werden wir sehen, dass in jeder historischen Epoche, von dem Moment an, in dem eine neue Ausdrucksform aufgetaucht ist, bis diese konsolidiert wurde, eine mehr oder weniger lange Zeit verstrichen ist, in der, die Künstler blindlings geschaffen haben. Es muss auch gesagt werden, dass der Künstler in vielen historischen Momenten nicht als solcher betrachtet wurde. Das heißt, der Titel der Inspiration oder gar des Göttlichen wurde ihm nicht gewährt.

Heute nach mehr als einem Jahrhundert der Innovationen und ständigen Veränderungen in ihren eigenen künstlerischen Konzepten und neuen, sowohl plastischen als auch vor allem konzeptuellen, Beiträgen, scheint die Kunst keinen sozialen, religiösen oder anderen Zweck zu erfüllen. Dies war die wichtigste Befreiung, die die Kunst, seit der Zeit, in der sie ihren Namen als moderne Kunst erhielt, erreicht hat.

Auf der anderen Seite können wir heute nicht den Weg absehen, den die zeitgenössische Kunst verfolgen wird, und noch weniger das Endergebnis von allen diesen neuen Handlungen. Wenn wir an alle die künstlerischen Bewegungen denken, die während des 20. Jahrhunderts stattgefunden haben, werden wir sehen, dass sie einige Jahre brauchten, um sich bei den Theoretikern, Kritikern, Galeristen, Kuratoren, Museumsdirektoren und Künstlern – die wir als letzte zitieren– durchgesetzt haben, und somit in der Lage waren, den Verlauf ihrer eigenen Theorien zu markieren und gleichzeitig sicherzustellen, dass der Betrachter durch einen Bildungs- und Sensibilisierungsprozess die neuen plastischen oder einfach konzeptionellen Vorschläge schätzt.

Beachten wir, dass jede Bewertung immer relativ ist, weil die künstlerischen Bewegungen des letzten Jahrhunderts, die bereits Teil der Geschichte sind, nur langsam Beifall gefunden haben.

Ein gutes Beispiel dafür wäre, wenn wir uns für einen Moment vorstellen, als reine Fiktion, dass alle Künstler der Vergangenheit, die heute als Bezugskünstler ihrer Zeit gelten, ihre Köpfe erheben würden. Nehmen wir ein konkretes Beispiel. Würde Delacroix, der zu seiner Zeit Regeln gebrochen hat, etwas von der heutigen Kunst verstehen? Mit diesem Beispiel möchten wir die Relativität dieser Kunst zeigen. Alles ist gültig, wenn wir es so wollen. Und dazu ist es notwendig, dass der einfache Betrachter die Bewertung jedes neuen Vorschlags immer wieder übernimmt.

Nach und nach, beeinflusst durch die Gespräche jener beiden Personen, und nach vielen Überlegungen fing ich an zu denken, auch wenn ich mich irren könnte, dass Kunst eine Absurdität sei. Na ja, aber das Absurde kann auch Kunst sein, sagte die Dame. Sie hat über die Ästhetik des Absurden oder die Absurdität der Ästhetik gesprochen. Ich, der ich ein tapferer Mann bin, wollte weiter gehen und sagte zu mir: Kunst gibt es immer. Wenn es existiert, ist es ja Kunst und wenn es nicht existierte, wäre seine Nicht-Existenz auch Kunst. Wenn wir akzeptieren, dass Absurdität eine Bedeutung bekommt, wird sie nicht mehr absurd sein und wird daher aufhören, Kunst zu sein. Nun, nein, denn die Tatsache, aufzuhören zu sein, kann auch Kunst sein. Wie Sie sehen, begann ich, von den tiefen Reflexionen der Dame beeinflusst zu werden. Ich fing an, Mut zu fassen. Ich blieb auf der Linie ihrer Überlegungen und da ich mich mutig fühlte, ließ ich mir einfallen, dass Schönheit keine Kunst ist, denn wenn sie Kunst wäre, wäre sie keine Schönheit. Entweder ist es Schönheit, oder es ist Kunst. Nein, sei es Kunst oder Schönheit, Schönheit oder Kunst, es ist immer Kunst. Kunst ist alles und alles ist Kunst. Wenn Kunst eine Behandlung als Kunst verlangt, ist es auch Kunst. Deshalb ist Kunst immer Kunst. Alles, was logisch oder unlogisch ist, ist Kunst, denn logisch zu sein ist Kunst, und unlogisch zu sein, ist auch Kunst. Alles Absurde ist auch Kunst, weil es auch absurd ist und die Absurdität ist auch Kunst, sagte die Dame. Schaffen ist Kunst und aufhören zu schaffen ist auch Kunst. Wenn ich sage, dass es Kunst ist, heißt es, das es ist Kunst. Und wenn ich mich als Künstler fühle und ich sage, das ist Kunst, zweifelt nicht, dass es Kunst ist, sonst hätte ich nicht gesagt, dass es Kunst wäre. Reden ist auch Kunst und den Mund halten ist immer Kunst. Kunst ist das, was ich Kunst nenne, denn ich bin jetzt auch ein Künstler, weil ich mich als Künstler fühle. Verrückt zu sein ist auch Kunst und das Gegenteil auch, das heißt, nicht verrückt zu sein, ist immer Kunst. Wie ihr sehen könnt, war ich schon im Orbit der Dame. Ich ging sogar noch weiter. Es könnte in Betracht gezogen werden, dass diese Dame ein Lehrling von mir war.

Es gab ein paar Sekunden, in denen ich glaubte, den Faden von dem, was diese zwei Leute sagten, verloren zu haben, aber auf einmal sah ich, dass sie das Thema der Unterhaltung geändert hatten. Jetzt sprachen sie über die Etappen des Erfolgs. Warum war dieser Künstler dort ausgestellt und nicht ein anderer? Gibt es kommerzielle Interessen, die das neue Licht der heutigen Kunst bestimmen? Ob die Sammler, die Galeristen, oder sogar die Institutionen, finanzielle Motivation haben. Das, dachte ich, interessiert mich nicht mehr so sehr. Außerdem war ich bereit in der Umlaufbahn zu bleiben und wollte meinen Weg nicht allein weiter gehen.

Dieser Künstler praktizierte die Performance. Was für ein Wunder! In einem Videofilm sah ich, wie er mit einer Axt und mit einem großen Hammer einen möblierten Raum zerstörte. Es war eine Aufführung in einer Galerie irgendwo auf der Welt. Frag mich nicht wo. Man konnte sehen, wie er in wenigen Minuten alles zerstört hat. Was für ein Wunder! Vandalismus auf die höchste Ebene der zeitgenössischen künstlerischen Schöpfung gehoben. Ich könnte auch so ein Künstler sein, dachte ich und warum nicht besser als er? Nicht heute, weil ich sehr müde von so viel Überlegen bin, aber morgen werde ich die Welt zerstören und auf diese Weise werde ich der größte Künstler der ganzen Geschichte der Menschheit werden. Gott schafft und ich zerstöre. Die Ästhetik der Zerstörung der Welt. Was für ein Wunder! Dieser Künstler könnte als mein Vorgänger angesehen werden, mein großer Lehrer, aber jetzt will ich ihn überwinden. Alle Künstler haben immer Eltern und Großeltern gehabt und ich meine nicht biologische Eltern und Großeltern, sondern diejenigen, die sie mit ihrer Kunst beeinflusst haben.

Und plötzlich, ohne einen einzigen Moment zu verlieren, fuhr ich mit meinen Überlegungen fort: Aber, wenn die Kunst mindestens einen Betrachter braucht, um Kunst zu sein und ich die Welt vernichte, wird es keinen Betrachter mehr geben. Dafür habe ich eine Antwort. Von nun an Kunst kann Kunst ohne Betrachter sein, weil ich es sage. Gibt es da jemanden, der oder die wagt, mir zu widersprechen?

Meine Kunst wird erhaben sein. Es wird keine Museen, keine Galerien, keine Künstler, keine Zuschauer, keine geschaffenen Werke geben. Alles wird zerstört! Was für ein Wunder! Was für ein großartiger Künstler! Und wird Gott bleiben? Auch nicht, weil ich ihn zerstören werde. Mit der Zerstörung Gottes werde ich den Menschen befreien. Ich werde ihn auch entlassen, weil ich ihn auch zerstört haben werde. Und ich? Ich werde mich selbst zerstören. Es wird nichts mehr übrig sein. Gar nichts, was für ein Wunder!

Und ihr ? Werdet ihr da sein ?

Was für eine Frage!Ich bin großartig! Oder ?

 

 

Jordi Rodríguez-Amat

2. Februar 2018

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